Музыкальная культура Европы 19 века | Шакирова Гульнара Марсовна. Работа №306679

Романтизм - направление в европейском искусстве конца XVIII - начала XIX в., возникшее в атмосфере разочарований, сомнений и безнадежности.

В музыке направление романтизма сложилось в 1820-е годы, развитие его заняло весь XIX век. Композиторы-романтики старались с помощью музыкальных средств выразить глубину и богатство внутреннего мира человека.

Романтики верили в то, что чувства составляют более глубокий пласт души, чем разум. По словам Р. Вагнера, «художник обращается к чувству, а не к разуму». А Р. Шуман говорил: «разум

заблуждается, чувства – никогда». Не случайно идеальным видом искусства была объявлена музыка, которая в силу своей специфики наиболее полно выражает движения души. Именно музыка в эпоху романтизма заняла ведущее место в системе искусств.

Романтический герой всегда одинок. Тема одиночества – едва ли не самая популярная во всем романтическом искусстве. Основные черты романтизма: подчеркнутое внимание к человеческой личности, индивидуальности, внутреннему миру человека; изображение исключительного характера в исключительных обстоятельствах, сильной, бунтарской личности, свободной духом, непримиримой с миром, чаще всего это одиночка, которого не понимает большинство других людей, человек одинок, когда он является именно незаурядной, одаренной личностью.

Артист, поэт, музыкант – излюбленные герои в произведениях романтиков. (Р. Шумана «Любовь поэта»), существование «двух миров»: мира идеала, мечты и мира действительности, между которыми существует непоправимое несоответствие, что приводит художников – романтиков в настроение отчаяния и безнадежности, «мировой скорби»; обращение к народным сюжетам, фольклору; заинтересованность в историческом прошлом, поиски исторического сознания.

Романтизм как явление культуры отличался исключительной многогранностью, проявив себя в форме особого направления в живописи, литературе, музыке и театре. Если в литературе и живописи романтическое направление в основном завершает свое развитие к середине XIX века, то в музыке существование романтизма было продолжительнее. Музыка занимала особое место в эстетике романтизма. Отвергая культ разума, романтики стремились воздействовать на чувства, а это лучше достигается музыкой. Музыка лучше всякого другого вида искусства способна выразить желание, настроение, сумятицу чувств, эмоциональные переживания, духовный мир человека. Основной для музыкального романтического искусства является проблема личности, ее конфликт с окружающим миром. На первом плане в музыкальной культуре романтизма выступает песня как жанр, более других подходивший для выражения сокровенных мыслей художника. В соответствии с этим подвергается изменениям вся система музыкальных жанров: отныне песня подчиняет себе оперу, симфонию, сонату, которые продолжают свое существование, но уже в интонационном наполнении. Интимно – доверительный тон высказывания преображает эти жанры, и они становятся более миниатюрными. На интонационную сторону музыки романтизма в целом влиял поэтический слог. Поэтому многие музыкальные жанры, появившиеся в XIX веке, обязаны своим происхождением поэзии, ее стихотворным формам, например, сонеты, песни без слов, ноктюрны, баллады. Великие имена музыкальной культуры Европы 19 века: Роберт Шуман и Рихард Вагнер, Гектор Берлиоз, Ференц Лист, Фридерик Шопен, Франц Шуберт.

Такие темы как одиночество, трагическая любовь, скорбь и ирония становятся выражением романтического строя чувств в творчестве известного австрийского композитора Франца Шуберта, (1797-1828)

Юноша был близорук, мал ростом, скромен и застенчив. Он любил мать, отца, братьев, сестер. Дома, еще в детские годы, открылась ему большая радость — отец ввел его в мир музыки. Гайдн, Моцарт, Бетховен — их музыка была его счастьем. В доме пели, играли на разных инструментах. Недели не проходило без домашних концертов.

Благодаря хорошему голосу Франца приняли в придворный хор. На его способности обратил внимание знаменитый Антонио Сальери и стал учить искусству композиции. Учитель не знал немецкого языка и не понимал народной музыки и поэзии страны, в которой долгие годы жил. Ученик не понимал итальянского языка, не любил никакого блеска и влюблен был в родную поэзию. Когда наступило время, у мальчика, как и у всех подростков, стал ломаться голос. Пришлось уйти из хора. Надо было решать, по какому пути идти дальше. Мальчик очень много сочинял, и опытные учителя, музыканты в один голос говорили о его необычайной одаренности. Но отец знал: профессия музыканта требует предприимчивости, уверенности, настойчивости, внешнего блеска. Его мальчику, робкому, застенчивому, невзрачному, эта профессия принесет только бедность, ненужные огорчения и заботы. Отец решил сделать его учителем в своей школе, а потом передать эту школу целиком в его руки, ,он подчинился. Но музыка жила в нем, музыка влекла его — и больше он ничем не мог заниматься. Шуберт нехотя учил музыке детей младших классов, слушал музыку, и сочинял, сочинял, сочинял. Песни, хоры, симфонии, сонаты, квартеты... Мелодии переполняли его, он не успевал их записывать. За один 1815 год он сочинил сто пятьдесят песен. Каждая из них — яркая, новая, ни на одну другую не похожая. Школьные уроки становились все ненавистней. И вот настал день, когда робкий и мягкий юноша покинул родной дом. Этот день был его горем и его радостью.

У Шуберта не было знатных покровителей. Единственным влиятельным знакомым, который мог бы помочь ему, был придворный композитор Сальери. Но Шуберт не разделял его взглядов на музыку и не хотел просить у него помощи. Мягкий, робкий человек был очень гордым.

Он не выступал в публичных концертах. Его не знали при дворе. Издатели платили композитору гроши, пользуясь его непрактичностью, а сами наживали капиталы. Часто у него не было денег, чтобы снять комнату, многие свои сочинения он писал без инструмента, потому что у него долгое время не было своего фортепьяно, ему не на что было купить себе хороший костюм, и случалось, что он несколько дней подряд питался только сухарями с кофе. Здоровье его было подорвано. Поэтому, когда осенью 1828 года он заболел тифом, врачи не сумели спасти его.

Отец оказался прав — профессия музыканта принесла Шуберту страдания, нужду, заботу о куске хлеба и не принесла славы, громкого успеха, удачи в жизни. Но он был счастлив другим: своей музыкой и друзьями. У Шуберта оказалось много верных друзей — художников, поэтов, артистов, таких же бедных «неудачников», как он сам, так же влюбленных в родную музыку, родную поэзию — людей с передовыми взглядами и чутких ко всему прекрасному.

Друзья держались вместе, в трудную минуту приходили на помощь друг другу. Шуберт был в кружке общим любимцем. Друзья распространяли его произведения, собирали и хранили его сочинения, переписывали рукописи, ходили по издателям, организовывали концерты в домах знакомых, где можно было собрать побольше людей. Благодаря им постепенно музыка Шуберта завоевывала Вену. Особенно много сделал для Шуберта знаменитый певец Фогль, которому понравились его необычные, простые песни: он стал выступать с ними во всех концертах.

Шуберт, никуда за всю жизнь не уезжавший дальше предместий Вены, поехал с Фоглем в гастрольную поездку по Верхней Австрии — на родину певца — и даже аккомпанировал ему

Песни Шуберта представляют собой шедевры музыкальной миниатюры лирико – психологического содержания («Аве Мария», «Серенада», «Лесной царь»). Шубертом создано около 600 песен на стихи И.В. Гете, Ф. Шиллера, Г. Гейне, В.Скотта и Шекспира, которые отличаются тонкостью передачи неуловимой смены чувств одинокого, страдающего человека

.В последний год жизни Шуберт, прославившийся своими необыкновенными песнями, все чаще обращался к оркестровым сочинениям. «Я более ничего не желаю слышать про песни, я теперь окончательно принялся за оперы и симфонии», — писал он.

Больше всех композиторов Шуберт любил Бетховена, своего старшего современника. К высотам симфонической музыки великого Бетховена он и стремился. Много лет он прожил в одном городе с Бетховеном, ходил улицами, которыми любил ходить Бетховен, издали смотрел на него и не решался подойти, заговорить. А когда, наконец, решился и пошел, оказалось, что Бетховен уже умер.

Кто знает, чего достиг бы Шуберт, если бы не ранняя смерть. Он работал невероятно много и очень многого не успел сделать. Сам Бетховен в тридцать два года сочинил две симфонии, а Шуберт, не дожив до этого возраста, — девять.

Широко известна сейчас «Неоконченная» симфония Шуберта. В ней две части. Есть наброски третьей части, но именно только наброски. В «Неоконченной» симфонии Шуберт выразил хрупкую мечту, и печальную тревогу, и светлую надежду, и неумолимость жестокой жизни. Мелодия меняется, звучит то приглушенным, таинственным шепотом, то протяжной прекрасной песней. Во второй части — меньше страдания, больше спокойного раздумья, мужественности, кажется даже, вот-вот промелькнула радость... Мелодия постепенно угасает, и остается светлая задумчивость...

Сам Шуберт не слышал своей «Неоконченной» симфонии в исполнении оркестра. Он подарил партитуру любительскому музыкальному обществу города Грац, но она затерялась и была случайно обнаружена лишь через много лет после его смерти, в 1865 году. Последняя симфония Шуберта — Девятая — до сих пор не найдена, как и некоторые другие его произведения. При жизни Шуберта ни один издатель не выпустил в свет его симфоний, ни один оркестр не заинтересовался его симфоническими сочинениями.

Творчество польского композитора-романтика Фридерика Шопена связано с традициями польского народа, со стремлением отразить национальный дух польского народа. Темы свободы, любви к Родине, человеку были центральными для Шопена. Образ Родины преобладает в произведениях композитора, что слышится в звучании его мазурок и полонезов. Композитор использует ритм и характер движения народных танцев для передачи довольно сложных чувств и создания разных музыкальных образов. Пожалуй, нет другого композитора, заслуженно получившего титул великого, гениального и создавшего при этом произведения почти

исключительно для одного инструмента - для фортепиано. Соединив в лице Фридерика Шопена дар композитора и пианиста-исполнителя, судьба словно предназначила ему раскрыть душу этого инструмента, его неисчерпаемые выразительные возможности, вызвать к жизни новые,

неведомые прежде, истинно романтические жанры фортепианной музыки: баллады, ноктюрны, скерцо, экспромты. Питая свое творчество из истоков народной польской музыки, Ф. Шопен возвышает простые незатейливые народные танцы (мазурки, полонезы) до масштаба романтических поэм, насыщает их драматизмом, высокой трагедийностью.

В своем творчестве Фридерик Шопен воплотил драматическую судьбу своей родины - Польши, ее

трагическую борьбу за свою независимость, и трагедию собственной, личной

жизни, прожитой в разлуке с родиной, с родными и близкими.

Фридерик Шопен родился в 1810 г. недалеко от Варшавы, в местечке Желязова Воля, где отец его служил домашним учителем в имении графа Скарбека. Мальчик рос в окружении музыки: отец играл на скрипке и флейте, мать хорошо пела и играла на фортепиано. Музыкальные

способности Фридерика проявились очень рано. Первое выступление маленького пианиста состоялось в Варшаве, когда ему исполнилось семь лет. В это же время было издано одно из первых его сочинений — полонез для фортепиано соль минор. Исполнительский талант мальчика развивался настолько быстро, что к двенадцати годам Шопен не уступал лучшим польским пианистам. Окончив лицей, Шопен поступил в Высшую школу музыки. Его занятиями руководил известный педагог и композитор Иосиф Эльснер. Сохранилась его краткая характеристика, данная юному музыканту: «Изумительные способности. Музыкальный гений».

В 1830 г. двадцатилетний музыкант отправляется в зарубежную концертную поездку. Однако временное расставание с родиной обернулось разлукой на всю жизнь. Разгром польского восстания и последовавшие за этим преследования и репрессии отрезали Шопену путь к возвращению. Свое горе, гнев, возмущение он излил в музыке. Так родилось одно из величайших

его творений — этюд до минор, получивший название «Революционного».

С 1831 г. и до конца своей жизни Шопен прожил в Париже. Но Франция не стала второй родиной композитора. И в своих привязанностях, и в своем творчестве Шопен оставался поляком.

Умирая, Фридерик Шопен завещал родине свое сердце. Это завещание было выполнено его близкими. Но замурованное в костеле с. Креста в Варшаве сердце Шопена, вечно живое, трепетное и гордое, бьется в его музыке, в его Прелюдиях, Этюдах, Вальсах, Концертах.

Шопен создал новые жанры фортепьянной музыки: ноктюрны, фантазии, прелюдии, экспромты, а также романтические музыкальные миниатюры. В них передается тонкость и глубина чувств, мелодическая красота, яркая образность музыки, виртуозность и проникновенность, присущая исполнительскому мастерству Шопена. Польский композитор написал 2 концерта, 3 сонаты, 4 баллады, скерцо, ряд экспромтов, ноктюрнов, этюдов и песен. Ф.Шопен в отличие от других композиторов создавал произведения только для фортепиано. Исследователи видят в его музыке огромное психологическое богатство духовного мира человека. «Трагизм, романтика, лирика, героическое, драматическое, фантастическое, задушевное, сердечное, мечтательное, блестящее, величественное, простота – вообще все возможные выражения находятся в его сочинениях…»

Романтическое начало было ярко выражено и в творчестве Роберта Шумана, немецкого композитора, музыкального критика, которого по праву считают выразителем эстетики романтизма. Роберт Шуман является создателем фортепьянных циклов («Бабочки», «Карнавал», «Фантастические пьесы», «Крейслериана»), лирико-драматических вокальных циклов, оперы «Геновена», оратории «Рай и Пери», а также многих других произведений. Цикл на стихи Гейне «Любовь поэта» представляет собой слияние музыки и поэзии, в нем нашли точное отражение поэтические образы, созданные великим поэтом, выражена романтическая ирония Шумана [5,с. 105].Его сочинениям присущ романтический прорыв и страстность. Для текстов своих произведений Шуман выбирал творения лучших поэтов – романтиков своего времени.

Представителем романтизма был также французский композитор и дирижер Гектор Берлиоз, которому принадлежат музыкальные произведения «Фантастическая симфония», «Реквием», «Траурно-триумфальная симфония», опера – дилогия «Троянцы». Берлиоз смело вводил новшества в области музыкальной формы, гармонии, тяготел к театрализации симфонической музыки, к грандиозным масштабам сочинений. Так, на улицах Парижа он разучивал с народом революционные песни, в частности, обработанную им для хора и оркестра «Марсельезу». В историю музыки Берлиоз вошел как создатель программного симфонического романтизма. Именно в симфоническом жанре Берлиоз впервые раскрывает сложный и противоречивый мир романтического героя.

Ференц Лист – венгерскоий композитор, пианист и дирижер, в творчестве которого отражены идеи романтизма. Он содействовал созданию многих музыкальных национальных школ. Его творческое наследие огромно. Так, им созданы оратория «Фауст-симфония», 13 симфонических поэм, 19 рапсодий, вальсов, этюдов и около 70 иных музыкальных произведений. В его игре виртуозность сочеталась с поэтичностью и драматизмом. Лист придал оркестровое звучание фортепиано, превратив его из салонно – камерного инструмента в инструмент для массовой аудитории. Один из современников композитора следующим образом описывает исполнение Листа на одном из концертов: «Манера его игры была неистовой, очень стремительной, однако, сквозь потоп мрачного вдохновения время от времени сверкали молнии гения… их можно было бы сравнить с золотыми звездами, непрестанно вырывающимися из чудовищного огня страсти» Романтическое направление представлено в творчестве немецкого композитора, дирижера, реформатора оперного искусства Рихарда Вагнера. Он является автором оперных либретто, драм, музыкально – теоретических работ, исследований по истории искусства, статей по вопросам политики и философии. Широко известны такие его оперы, как «Риенци», «Тангейзер», «Летучий голландец», «Тристан и Изольда» и другие музыкальные произведения. Шпенглер О. пишет о Вагнере: «Краски звездной полуночи, тянущихся облаков, осени, жутко – унылых утренних сумерек, неожиданные виды залитых солнцем далей, мировой страх, близость рока, робость, порывы отчаяния, внезапные надежды, впечатления, которые ни один из прежних музыкантов не счел бы достижимыми, – все это он с совершенной ясностью живописует несколькими тонами одного мотива»

Особенностью музыкантов прошлого было то, что они видели в сущности духовных основ музыки – ее будущее. Р.Вагнер, представляя искусство будущего как синтетическое, как мистерию, рассматривал природу музыки как путь от бессознательного к сознательному. Он видел данный процесс как жизненный путь художника – творца, отражающего мир. Эта тенденция продолжилась в романтизме, сформировавшем духовный образ «центрального человека мира», идеальную личность творца, гения.

Любовь к природе, человеку, преклонение перед ним, а затем и их обожествление направляли творческое вдохновение художника. Романтики стремились к постижению духовного, они разуму противопоставляли чувство, пламенное воображение, свободную игру фантазии. Свобода – бог данной эпохи, благодаря которой, по мнению романтиков, человек способен возвыситься над собой и окружающими. Заметим, что композиторы эпохи романтизма являются гордостью как европейской, так и мировой культуры.